la emoción. la música. el mensaje.

Hardcore Punk, clean-living youth and social change

2011-04-14T14:34:00.006-03:00

"Straight Edge es un movimiento juvenil de vida limpia que emergió desde la subcultura punk-rock a principios de los 80´s. Sus principios básicos promueven un estilo de vida libre de drogas, alcohol y sexualmente responsable que, superficialmente, parece oponerse a los de la típica rebelión adolescente. Para muchos chicos straight edge, sin embargo, estar limpios y sobrios fue y es la expresión definitiva de resistencia al ethos consumista y auto-indulgente que define a la cultura mainstream en los Estados Unidos.

En este primer análisis sociológico en profundidad del movimiento, Ross Haenfler sigue las vidas de decenas de jóvenes straight edge, mostrando cómo para ellos y miles de otros en todo el mundo, la adopción de la doctrina straight edge como una forma de mejorar uno mismo evolucionó hacia una misión más amplia para mejorar el mundo en que viven. Aunque la definición original del straight edge se concentraba sólo en el rechazo a sustancias que alteran la mente y al sexo promiscuo, las interpretaciones modernas incluyen una dieta vegetariana (o vegana) y una creciente participación en cuestiones ambientales y políticas.

La narración se mueve sin problemas entre las experiencias personales del autor y las inquietudes teóricas, incluyendo cómo los miembros de subculturas definen la "resistencia", el rol de la identidad colectiva en los movimientos sociales, cómo los jóvenes experimentan múltiples masculinidades en su búsqueda para redefinir la hombría, y cómo las jóvenes establecen su rol en las subculturas. Más que una ventana única en un movimiento juvenil, este libro provee perspectivas nuevas sobre el significado de la resistencia y la identidad en cualquier subcultura.

Ross Haenfler es profesor asistente de sociología en la Universidad de Missisippi." (via)

All of these things are a real part of me

2011-04-12T00:26:00.008-03:00

The Judas Factor - Stealing away

"Express what is going on in your head; in your heart. It isn’t always a pretty picture and it doesn’t always make sense; but then again neither does life. (…) Ballads in Blue China and Kiss Suicide are my stories; my life. A soundtrack of our lives in all of its stark contrasts.” (Rob Fish)

Luego de casi diez años transcurridos desde que empezó a subirse a los escenarios como cantante de Resurrection o 108 (junto con Shelter, uno de los máximos referentes del krishna-core, una combinación de la religión hare krishna con el hardcore), entre noviembre de 1997 y abril de 2000 Rob Fish (también conocido como Rasaraja Dasa) se puso al frente de esa experiencia denominada The Judas Factor, para la cual contó con la colaboración de algunos de sus ex-compañeros de Resurrection, además de miembros de grupos como Threadbare e Indecisión. Revelation Records editó en 1999 el LP Ballads in Blue China, seguido al año siguiente por el EP Kiss Suicide.

Las canciones de The Judas Factor, a veces agresivas y disonantes, como “The last song”, escrita por Fish diez años después de la muerte de su madre; otras, calmas y melodiosas como "Stealing away"; siempre intensas-, funcionan como el marco perfecto para que Fish –a veces entre susurros, vulnerable; otras, gritando hasta perder la voz; siempre sincero-, se sumerja en esas historias que son parte de su vida. Canciones que conforman la banda sonora de su vida, con todos sus contrastes.

Borde Recto

2011-04-07T12:42:00.006-03:00

"Soy una persona como vos

pero tengo mejores cosas para hacer

que quedarme por ahí a joder mi cabeza

salir con los muertos vivos

aspirar mierda blanca por mi nariz

desmayarme en los shows

ni siquiera pienso en "speed"

es sólo algo que no necesito

yo tengo el straight edge.

Soy una persona como vos

pero tengo mejores cosas para hacer

que quedarme por ahí a fumar

porque se que me puedo oponer

me río de la idea de tragar pastillas

me río de la idea de aspirar pegamento

siempre voy a mantenerme alerta

no quiero usar nunca una "ayuda"

yo tengo el straight edge."

¿Puede acaso una canción cambiar el mundo? Hmm... ¿Puede una canción cambiarnos la vida? Sin duda. Su poder potencial es tan grande que dos simples palabras pueden ser mucho más que eso: Straight Edge. Un estilo de vida basado en una canción que Ian MacKaye, cantante de Minor Threat, escribió en 1981 y tres décadas después reúne bajo una identidad común a miles de personas, distribuidas por todos los puntos del planeta, que eligen asumir un compromiso personal: la abstinencia del consumo de alcohol, tabaco y drogas.

Aunque MacKaye nunca tuvo intenciones de que se convirtiera en un conjunto de reglas a cumplir ni fuera más allá de un nivel personal, su mensaje se expandió vertiginosamente y muchos encontraron en él una forma de expresar su disconformidad ante lo que los rodeaba. La "X" pintada con un marcador negro, con la que por esos tiempos se identificaba a los menores de edad en los clubes donde se realizaban show de grupos hardcore-punk, para evitar que les vendieran alcohol, fue adoptada como símbolo del Straight Edge.

Desde entonces, el Straight Edge se ha diversificado casi de tantas maneras como personas que eligen utilizar esas palabras para definirse. Para muchos, implica también el rechazo a la promiscuidad sexual, tal vez a partir de "Out of Step", otra canción de Minor Threat que enuncia "No fumo, no tomo, no cojo, pero al menos puedo pensar". Además, guarda una relación cercana con el vegetarianismo, el veganismo y diversos movimientos ambientalistas y de liberación animal.

Sebaxxtian, del blog La Plegaria del Incendiario, escribe: "La cantidad de justificaciones, razones, motivaciones para elegir y seguir dichas conductas son tan diversas como la cantidad de chicxs involucrados en esto alrededor del mundo. Del mismo modo, se modifican las diversas conexiones del sxe con política, derechos animales o religión". Esto se traduce en la coexistencia de bandas sXe anarquistas como R.A.M.B.O con otras como Earth Crisis o One Life Crew, a menudo catalogadas como "conservadoras" e incluso "fascistas", o bien de grupos hare-krishna como Shelter con otros que rechazan el vínculo entre sXe y religión, como Limp Wrist.

El Straight Edge ha sido abordado desde múltiples perspectivas e incluso ha sido estudiado por sociólogos como Ross Haenfler o Robert Wood. En ocasiones, ha recibido cobertura por parte de medios de comunicación masiva, a menudo con un enfoque negativo, limitado a las llamadas "pandillas straight edge" en los Estados Unidos o al "Hardline". Para Sebaxxtian, "Por ignorancia o por las continuas mal interpretaciones de algunas bandas posteriores a la primer camada hc-punk straight edge, la percepción del sxe mutó de ser una contracultura cuyo soporte primario era un rechazo hacia conductas autodestructivas, desde el respeto hacia la diferencia y a la libre elección de las personas a una suerte de conducta colectiva elitista, discriminadora y violenta."

En el documental "Punk Attitude", Ray Cappo, cantante de Youth Of Today, define al Straight Edge como "la contracultura de la contracultura", en referencia a su aparición como una reacción contra la situación decadente de la escena punk. Ese énfasis en considerarlo como un fenómeno contracultural, es decir, como un grupo de personas caracterizado por su oposición sistemática a la cultura dominante, es crucial para entender cómo a 30 años de su aparición el Straight Edge continúa vivo. Según Sebaxxtian, las condiciones en las que surgió –“Un ambiente violento, donde las drogas destruyen comunidades enteras y se las ve como una alternativa de escape a una realidad cruda con cada vez menos oportunidades para una mejor calidad de vida"- no sólo continúan sino que se han acentuado. La vigencia de sus ideales se manifiesta en su expansión con características de difusión globalizada y apropiación localizada (y, por supuesto, personalizada), mientras somos testigos del gran negocio orquestado para vender un “combo” de rock y presunta actitud contestataria a los jóvenes adormecidos por el alcohol y las drogas, ahogados en un conformismo absolutamente funcional a los intereses del poder económico y político.

Es necesario replantear el Straight Edge como una forma diferente de pensar y de sentir, un modo distinto de divertirnos y de relacionarnos con los demás, en contra de la dependencia y de las conductas autodestructivas, pero siempre desde el respeto a las diferencias y a la libertad personal, para evitar caer en actitudes autoritarias y violentas como tantas veces ocurrió. Es necesario revalorizar el potencial contracultural del Straight Edge para que la rebeldía pasajera y sin foco prospere en verdadera oposición.

Straight Edge. Una contracultura. Un estilo de vida. Un compromiso personal asumido por una minoría inspirada colectivamente por una canción.

TOP 5 – sXe USA

Minor Threat - Complete Discography
"Straight Edge": 45 segundos. "Out of Step": 1 minuto y 20 segundos. Tiempo suficiente para que Ian MacKaye deje asentada la posición que venía madurando desde su anterior banda, Teen Idles. Sin saberlo, estaba haciendo historia. "Es algo que no necesito, yo tengo el straight edge" y "No fumo, no tomo, no cojo, pero al menos puedo pensar". Luego llegarían SSD, Uniform Choice, 7 Seconds, etc.

Youth of Today - Break Down The Walls
"Fuertes físicamente, rectos moralmente, juventud positiva, somos la juventud de hoy", gruñe Ray Cappo sobre la guitarra de Porcell. Straight Edge, vegetarianismo, actitud positiva. La era del "Youth Crew": Gorilla Biscuits, Chain of Strength, Bold, Side by Side, etc.

Earth Crisis - Firestorm
"Una tormenta de fuego para purificar la ruina en que se hunde la sociedad". Straight Edge, veganismo, liberación animal, ultramilitancia, ¿metal?-core. El inicio de la polémica. Los tres grandes de Victory Records: Earth Crisis, Strife y Snapcase. Y también la otra cara del sXe, lejos de la rudeza, en el emo de Ebullition Records: Portraits of Past, Policy of 3, etc.

Good Clean Fun - Shopping for a crew
El humor llega de la mano de Good Clean Fun, que no dejan títere con cabeza y se ríen de todo y de todos. De paso, "A song for the ladies", la canción por el lugar de las mujeres en la escena, que faltaba desde "Not just boys fun" de 7 Seconds. “Underground, posi-core”. Mientras tanto, en Boston, In My Eyes y Ten Yard Fight reviven la "Youth Crew Era".

Have Heart - The Things We Carry
Un cóctel explosivo hecho en base a Bane, In My Eyes, Outspoken y Unbroken. Straight Edge como "Algo más que tinta en una hoja, en una remera, en el dorso de mi mano". Un camino compartido con Verse, Champion, etc.

TOP 5 – sXe Argentina

Autocontrol – Conciencia & Disciplina
Los pioneros. “El cambio personal influye más que una bomba. Resistir y rechazar es la clave de la emancipación”.

Sudarshana – Sacrificio
HC-Punk, melodía y espiritualidad. “Siento fuerza dentro de mí, un compromiso me hace actuar así, es mi camino y no quiero cambiarlo. Ser sumiso te hace feliz, es un sendero que yo no elegí, costumbres ciegas que esta vida va arrastrando”.

Vieja Escuela – La Mejor Elección
Old Shool Straight Edge. “Renuncia total a los hábitos de la decadencia. Se impone una resistencia, decidido a buscar un destino. No voy a ser uno más de esta gran mentira. La fuerza de lo esencial aún late en mi corazón”.

Nueva Ética – La Venganza de los Justos
Entre Integrity, Path of Resistance y Point of No Return. “No me representa tu falso concepto de diversión. No me representa tu falso concepto de libertad (...) Soy el oponente a lo que ves en las calles. Declaro la guerra a esta realidad de jóvenes decadentes”.

El Eterno Enemigo - Círculos
El legado de New Age Records. “Muerte antes que conformarme. Me excluyo de tu mundo infame y cruel (...) Tan sólo me queda no participar”.

Your emotions are nothing but politics

2011-04-05T00:41:00.006-03:00

Embrace – No more pain

(Texto escrito el 14/04/2009)

I. Diciembre de 2007. Madrugada. En la calle llueve, pero dentro de la casa el calor no da tregua. En una de las habitaciones ya tocaron Factor Común y Sol Perpetuo, sin escenario, como me gusta. Ahora es el turno de Unión Bajo Fuego, mientras nosotros conversamos en un pasillo. Sobre música, claro. Sobre lo bueno que sería formar una banda similar a Chamberlain. El Flaco, por alguna razón que no recuerdo, tiene un vaso de cerveza en cada mano. El amarillo de mi remera se ve interrumpido por algunas manchas oscuras, producto de haber secado descuidadamente con ella el dorso de mi mano derecha cubierto con esa x de tinta negra. Hay una pausa y, de pronto: “¿Sabés qué es emo?” –dice Manuel, y nosotros lo miramos, esperando que él mismo de la respuesta.

II. En el verano de 1985, en Washington DC, surgió un manojo de bandas que privilegiaban un enfoque más personal e introspectivo del punk rock, como reacción frente a una escena hardcore que se estaba volviendo cada vez más violenta y comercial. Embrace fue una de esas bandas. Formado por el cantante de los legendarios Minor Threat, Ian MacKaye, junto con tres ex-miembros de Faith, el grupo solo duró hasta la primavera del año siguiente. Sin embargo, las canciones de su LP, editado recién en 1987, le alcanzaron para convertirse, junto con Rites of Spring, en las insignias de ese “Revolution Summer”, cuna de lo que hoy conocemos como emocore. Hardcore “emocional”, la bendita palabra que para el propio MacKaye no es más que una etiqueta estúpida. ¿Acaso las bandas hardcore no eran ya emocionales? ¿Acaso eran robots?.

III. Las notas del bajo de Chris Bald empiezan a sonar sobre el acople de la guitarra de Michael Hampton. La voz de MacKaye, personal y expresiva como pocas, transmite el mensaje para la escena: No más estar tirados / Tenemos que hablar y movernos / No más "rectitud" / Todo está demasiado equivocado / No más lágrimas egoístas / No has pagado por ellas / No más producirte / Por favor deja tu disfraz en casa / No más mirar hacia abajo / Podrías golpearte la cabeza.

Ya se acopló la batería de Ivor Hanson, sin la velocidad hardcore pero con la intensidad propia de quien deja salir algo que estaba contenido hace mucho tiempo, ideal para esperar la llegada del estribillo: El propósito está dentro tuyo / El movimiento está dentro tuyo / Tus emociones son nada excepto política / Entonces tomá el control.

Y el ciclo empieza de nuevo: No más alcohol / Es un sustituto del Kool-aid / No más heroína / La muerte no tiene glamour / No más clase dominante / Ustedes son un montón de chicos tontos / No más peleas por la imagen / Es sólo un golpe bajo / El dolor desperdicia tu energía / El sufrimiento es un desperdicio de energía / Tus emociones son nada excepto política / Entonces tomá el control.

Hampton, que está solo con su guitarra pero parece muchos, anticipa lo que mas adelante hará la dupla MacKaye/Picciotto en Fugazi. Y todo vuelve a empezar, esta vez es la última y definitiva: No más número uno / Tenemos que dejar ese juego / No más actitud / Devolvésela al televisor / No más pose de tipo duro / Escuché a tu mamita llamando / No más suicidio / Nos mata a todos / No más amor mezquino / No más odio mezquino / No más mezquindad / No más dolor / No más dolor / No más dolor

IV. “-¿Sabés qué es emo? –dice Manuel, y nosotros lo miramos, esperando que él mismo de la respuesta– Cuando Ian grita No more pain...Eso es emo”. Y tiene toda la razón.

EDGE

2011-03-31T01:40:00.002-03:00

Más abajo, pueden ver “Edge. Perspectives on a drug free culture”, un documental realizado por Michael Kirchner y Marc Pierschel, dos sociólogos y cineastas alemanes que abordan al straight edge (la abstinencia del consumo de alcohol, tabaco y otras drogas, y de relaciones sexuales promiscuas) como una contracultura juvenil basada en el rechazo a una sociedad hegemónica dominada por el abuso de sustancias.

El documental, musicalizado por Tristeza, no es una historia del straight edge ni una suerte de inventario (aunque, por supuesto, hay algunos “famosos”), sino que está basado en entrevistas personales que buscan, mediante un acercamiento a la vida cotidiana, reflejar las diferentes concepciones y motivos para adoptar el straight edge y cómo, de una u otra forma, esa elección cambió las vidas de una lista de entrevistados que incluye a Ian MacKaye (Minor Threat), Ray Cappo (Youth of Today), Karl Buechner (Earth Crisis), Russ Rankin (Good Riddance), Pat Flynn (Have Heart), Bill Gervasi (R.A.M.B.O.), Kent McClard (Ebullition Records), Ross Haenfler (autor de “Straight Edge. Clean Living Youth, hardcore-punk and social change”), Kelly Leonard (xSISTERHOODx), Eva Hall (Gather), Peter Young, Priyesh Patel y Taylor Clements.

The Story of Straight Edge

2011-03-29T01:02:00.007-03:00

True Till Death - The Story of Straight Edge - BBC Radio One Documentary

True Till Death es un documental sobre el straight edge, realizado por la BBC Radio One, que reúne opiniones de Ian MacKaye (Minor Threat), Ray Cappo (Youth of Today), Sweet Pete (In My Eyes), Civ (Gorilla Biscuits), Mike Ski (Brothers Keeper), Daryl Taberski (Snapcase), Karl Buechnner y Dennis Merrick (Earth Crisis) y John LaCroix (Ten Yard Fight).

“An underground community built by hundreds of bands, thousands of fanzines and millions of people around the world who don’t do like the majority, collectively inspired by a single song.”

Still your words

2011-03-24T12:14:00.002-03:00

Blue Water Boy - At the Indy 500

(Texto escrito el 15/06/2008) Blue Water Boy fue una banda emo-hardcore straight edge originaria de Suiza, con la particularidad de contar entre sus integrantes con un argentino, Alfredo Meyer (batería). El grupo, formado además por Christian (voz), Roman (guitarra), David (guitarra) y Martin (bajo), se inició en 1997 y tenía un sonido similar -según ellos mismos- al de Anasarca o Navio Forge, aunque con la actitud sobre el escenario de bandas hardcore old school como Youth of Today o Gorilla Biscuits.

En 1999, Sniffing Recording Industries editó en la Argentina Blue Water Boy (SRI #16), la versión en CD del LP homónimo que había salido previamente por Dead End Records.

La primera vez que escuché Blue Water Boy fue en un cassette que me grabó un amigo hace muchos años, junto con otras bandas emo (o por lo menos lo que entendía por emo en ese momento, es decir: Grade, Jejune, Saves The Day, Boy Sets Fire, etc.). No recuerdo la razón, pero regrabé ese cassette y no volví a escuchar esas canciones hasta hace un par de días cuando, casualmente, entré en un blog y vi el disco. Desde entonces se me hizo difícil dejar de escuchar canciones como “At the Indy 500”.

I saw the x on your hand and i knew you were the one

2011-03-22T01:35:00.001-03:00

Casiotone For The Painfully Alone - Jeanne, if you´re ever in Portland

“La letra es una tierna y melancólica historia de romance hipster, entre una chica y - me gusta imaginármelo así - el cantante de alguna banda sxe hardcore que esta de gira. Sin ironía, solamente retratando una situación en un entorno que podría ser otro, pero así calza a la perfección.” (via)

You can´t help but blame yourself

2011-03-17T11:16:00.002-03:00

Owen - She´s a thief

(Texto escrito el 29/06/2008) Owen es el nombre del proyecto solista de Mike Kinsella, un multi-instrumentista y cantautor nativo de Chicago, EE.UU., que se inició como baterista de los legendarios Cap´n Jazz (grupo en el cual cantaba su hermano mayor, Tim) y continuó en The One Up Downstairs, American Football, Owls, Maritime, Joan Of Arc (junto a Tim y su primo Nate Kinsella) y Aloha.

Luego de la separación de American Football, el menor de los Kinsella buscaba un proyecto donde pudiera tener control sobre todos los aspectos, incluyendo la composición, la grabación y el arte del disco. Ya con algunas canciones bajo el brazo, le propuso a Matt Lunsford -dueño de Polyvinyl Records- que, en lugar de pagar el tiempo en un estudio, invirtiera el dinero en software y equipamiento para que pudiera grabar el disco él mismo. Lunsford accedió al pedido y Mike retornó a su antigua habitación en la casa materna para convertirla en un pequeño estudio de grabación en el cual salió a la luz Owen (2001).

Hasta hoy, Mike Kinsella ha editado bajo el seudónimo Owen otros cuatro LP´s: No good for no one now (2002), I do perceive (2004), At home with Owen (2006) y New Leaves (2009). “She´s a Thief”, mi canción favorita de Owen, está incluida en I do perceive.

Por siempre

2011-03-15T01:07:00.008-03:00

(Texto escrito el 09/03/2009) Durante la segunda mitad del año 2000 y los primeros meses del 2001, mi amigo Francisco y yo dedicamos gran parte de nuestro tiempo a la edición de un fanzine que llamamos “Tiempo De Reaccionar”. El primer y único número de TDR, que incluía entrevistas a -entre otros- Volstead y Minoría Activa, columnas, reseñas de discos y ´zines, etc, fue mi primer intento de escribir sobre música y salió en enero de 2001.

Entre los contenidos que pensábamos incluir en la segunda entrega de TDR, que por diversos motivos nunca fue editada, se encontraba una entrevista con Sol Perpetuo, banda pionera del hardcore tucumano y sin dudas la más importante de la escena local. Por esos tiempos el grupo contaba con su formación “clásica”, es decir: Manuel (guitarra), Carlos (bajo), Federico (batería) y Darío (voz, y el único que continúa hasta hoy) y estaba a punto de incluir a Nacho, uno de sus actuales guitarristas. La nota, realizada luego de un ensayo en el verano de 2001, es en cierto modo la continuación de otra que habíamos realizado a mediados del año 2000 en Control Urbano, un programa radial que teníamos con Francisco y otros amigos.

Durante años, la entrevista durmió en mis discos rígidos para recién ver la luz del día en este espacio. Espero que sirva como testimonio de la historia de algo que fue y continúa siendo tan importante para mí como es Sol Perpetuo y el Tucumán Hardcore.

Nota: Las fotografías que ilustran la entrevista fueron tomadas el 9 de diciembre de 2000, en un recital de Sol Perpetuo junto a Minoría Activa, Crios, Volstead y Miklo Velka.

TDR: Están buscando un nuevo guitarrista. ¿Qué quieren obtener y qué cambios podría generar con los temas viejos y con los que vienen?

Manuel: Buscamos mas fuerza, que la banda suene mas fuerte en vivo, porque por ahí con un guitarrista nos quedamos cortos, y también ver si arreglamos un poco los temas para dos guitarras.

Carlos: No cambiar la estructura de los temas, sino darle un poco más de fuerza, hacer otros cortes que se pueden hacer con dos violas.

TDR: ¿De qué hablan los nuevos temas?

Carlos: Por ejemplo la letra de “Inocencia Perdida” habla más que nada de cuando vas caminando por la calle y está lleno de chiquitos pobres, inhalando una bolsa de pegamento y pidiendo monedas, y hasta llegan a prostituirse por eso.

Federico: Las otras letras las hace Darío, y no se de que hablan porqué está trabajando con gente poco sana (N.D.E: es psicólogo). Se lima de a poco (risas)

TDR: ¿Las letras apuntan a generar algo o sólo a contar algo que ven?

Carlos: Las letras si apuntan a algo, no son sin sentido, por mas que parezcan (risas)...Depende de la letra, algunas apuntan a generar algo acá en Tucumán, una movida fuerte de bandas y gente auténtica, otras hablan de cambios, etc.

Manuel: Cosas personales, un punto de vista introspectivo, lo que pasa por la cabeza de Darío, su forma de ver las cosas. Las letras buscan lograr un cambio personal para llegar a un cambio mayor a través de lo que uno produce.

TDR: ¿Tienen algún tema preferido?

Manuel: Mis preferidos son los que tocamos al último

Carlos: Los que mas me ponen las pilas cuando estoy tocando son “Por Siempre”, “Sin fuerzas”, “Renacerá” y “Mostrando tu verdad”.

Federico: A mi me gusta mucho “Por siempre” porque tiene mucha polenta, y aparte lo que dice la letra es muy positivo. Se mantiene firme en lo que ha empezado y se la banca. Por ejemplo en la escena hay gente que se toma el palo, toca en una o dos bandas y a los dos años ya no está. El tema está dedicado a los que siempre estuvieron ahí.

TDR: Con respecto a la escena tucumana ¿les parece que la gente no apoya a las bandas o son los músicos que no buscan espacios?

Manuel: Siempre hay gente que apoya, en los recitales. Hubo recitales que no fueron lo que se esperaba, pero hay bandas como Volstead, la mas activa de acá, pero no se puede decir que los músicos no se mueven. A veces la gente no tiene para pagar la entrada, o son en lugares lejanos que no pueden ir...se dan cosas. No creo que sea una de las partes la que está fallando.

Carlos: Muchas veces no hay recitales porque no se encuentra un lugar adecuado para tocar, pero cuando se encuentra la gente se pone las pilas y va, a veces más, otras menos, pero siempre hay.

Manuel: Ahora en Tucumán está lleno de bandas de distintos estilos y hay para todos los gustos. Antes había pocas bandas y vos veías en todos los recitales al mismo público. Ahora está descentralizado, y por ahí eso provoca que vaya menos gente.

Federico: Por ejemplo, los heavies que antes iban a un festipunk ya no van porque hay un montón de bandas que le gustan más. Creció pero a la vez quedó mas chico.

Manuel: El punk y el hardcore crecieron un montón, hay muchas bandas y mucha gente...

Carlos: Con respecto a las bandas que se quejan porque no tienen donde tocar, nosotros nunca nos quejamos porque si a veces no tocamos es porque no nos estamos moviendo, pero ahora esta todo muy activo.

TDR: Las bandas que tocan hardcore pero no tiene letras socio-políticas sino personales, ¿son, por decirlo de alguna forma, “menos hardcore”? ¿Que es ser hardcore?

Manuel: Para mi no, dentro de todo hardcore es un estilo de música. Par mi hardcore es ser libre de poder expresar todo lo que se te ocurra, manteniendo el respeto hacia otras personas. Yo tengo al hardcore como una manera de pensar.

Carlos: Es el problema de siempre sobre que es hardcore, porque además de la música tenés toda una filosofía, un estilo de vida. Hardcore es más que nada respeto y tolerancia, y tener un cambio personal de uno para algo más grande.

TDR: Y las bandas hardcore con letras socio-políticas ¿hay una relación entre el mensaje y lo que hacen? ¿Están provocando algún cambio?

Carlos: Pasa por un poco de coherencia entre lo que se dice y lo que se hace. No podés cantar algo si hacés todo lo contrario.

Manuel: Con respecto a otras bandas no opino porque no conozco su predicamento político y su acción.

TDR: Cuando estuvimos en la radio nos dijeron que les gustaría tocar con bandas como Minoría Activa. ¿Piensan que se están cumpliendo sus metas?

Manuel: Fue espectacular tocar con ellos, la verdad es que es una de las bandas mas importantes del HC argentino. Lo más importante fue que tocamos un tema juntos (N.D.E: Moncho de M.A subió a cantar “Crucified” de Agnostic Front.)

Carlos: Para mi fue muy emocionante. Fue una fiesta, estuvo muy bueno.

TDR: Hablando de eso ¿por qué decidieron hacer Crucified y “Small man, big mouth” de Minor Threat?

Carlos: Son temas que nos gustan, a veces los tocábamos y los pedían en el otro recital. Son bandas que escuchábamos desde chicos, y es una forma de no olvidarse de eso.

TDR: Hablemos un poco sobre Spirit Records

Manuel: Fue en un momento que había dos bandas hardcore, Contracultura y nosotros, y vi que daba como para impulsar las cosas. Contracultura grabó un demo, esperábamos hacer lo mismo con Sol Perpetuo y con bandas de amigos de otras provincias, y empezar un pequeño sello. No siguió por cuestiones de estudio y otras cosas.

TDR: Con respecto a las dificultades para empezar un sello, o grabar algo o conseguir lugares para tocar, ¿creen que quienes podrían difundirlo de una forma masiva, como Rock & Pop, no lo hacen?

Manuel: En un momento le quisieron dar bola, con un programa que pasaba un ranking tucumano, y de las bandas punk creo que solo estuvieron Coma 4 y Volstead. Para poder pasar algo ahí o en una radio “x” necesitás grabar algo que suene más o menos bien, y ese es otro problema que tienen las bandas, de sacar una buena grabación. Ahora por suerte sale el merecido disco de Volstead, y se que lo van a mover muy bien porque son muy activos, y también Sedición Interna, con muy buen sonido y otros como Crios o Buenas Peras.

TDR: Lo que vemos es que la gente que podría difundirlos no lo hace por ignorancia, porque no los conoce, no van a los recitales. Por ejemplo, a ustedes los entrevistaron ahí y les preguntaron por qué tocaban “punk extremo”

Federico: (risas) La Rock & Pop y otros medios más difundidos se manejan en otros ambientes, por ejemplo de las bandas pesadas toman a 448 o Crios, a Alcanfor para Gorriones en su momento. El ambiente en que nosotros nos manejamos es más under, es más de panfletos y afiches.

Manuel: Lo que pasa es que la Rock & Pop es una radio de Buenos Aires, es una persona acá que compra la señal y le agrega en segmentos permitidos poner programas tucumanos. Se manejan con un director artístico y toda esa historia, y es más complicado entrar en una radio así. Hay gente que tiene la mejor para pasarte cosas pero no puede por directivas de otro lado, entonces se hace difícil.

TDR: Que las bandas hardcore o punk tengan menos difusión ¿no se debe a la cuestión del DIY, de no ser comerciales? No podría conocerlos mas gente si se abriera un poco más?

Manuel: No es que las bandas estén cerradas. A todo que este haciendo algo le gustaría tocar en un recital lleno de gente, y si tienen un disco que sea difundido, pero a veces las cosas no se dan así. Hubo bandas que por cambiar de sello fueron tildadas de “vendidos”.

TDR: ¿No pasa que cuando una banda comienza a crecer, a tener mayor difusión, mucha gente los trata de “comerciales”, o “vendidos”? Por ejemplo Fun People

Manuel: Lo que pasa es que si vos decís una cosa y después decís otra, la gente te va a criticar

Carlos: Si vos sos coherente me parece que no, que va a estar todo bien. Si alzás la bandera del “re-under”...

Manuel:...del DIY, y después en la puerta de Tower Records está la propaganda de tu disco, eso es otra cosa. Lo que pasa es que si te va bien, entras a ver plata, te marea, pero a pesar de eso hay gente que se mantuvo íntegra, que pudo firmar con un sello por mucha plata y se mantiene independiente.

TDR: Con respecto a las tan criticadas bandas punk-pop (Blink 182, Green Day, Offspring, etc) ¿no les parece que influyen para que uno empiece a escuchar punk y hardcore? Porque es mas difícil empezar escuchando, por ejemplo, 7 Seconds que Green Day?

Carlos: Lo bueno de que esas bandas salgan en MTV o en radios importantes es que si la gente esta interesada en eso va a empezar a escuchar otras cosas, les abre las puertas a bandas que son más independientes, así que bienvenido sea.

TDR: Cambiando de tema, tienen algún músico preferido?

Manuel: Como guitarrista de hardcore me gusta Matt Henderson que tocaba en Madball y grabó con Agnostic Front. Después Rocky George de Suicidal Tendencies.

Carlos: Como bajistas hay músicos impresionantes como Robert Trujillo, que por ahí no está dentro de lo que es el hardcore ahora...los que mas me influyeron fueron el bajista de Ignite y todas las bandas old school. De ahí empecé a escuchar y sacar cortes y otras cosas.

Federico: El batero que me gusta un montón es Martín Carrizo, que tocó con A.N.I.M.A.L: toca fuerte, tiene mucho estilo.

Nacho: Yo escuchaba muchas bandas y trataba de no copiar a nadie, tomaba algo de lo que utilizaban ellos y con eso empecé a tocar, no tengo uno preferido...

Carlos: Manuel de Sol Perpetuo...(risas)

TDR: ¿Escuchan algún otro tipo de música? ¿Piensan implementarla en su sonido algún día?

Manuel: Creo que lo que escucho no da para hacer eso, ni tampoco me da para tocarlo. Me gustan The Smiths, Morissey, Siouxsie & The Banshees. Tambien escucho a veces black metal, death metal o heavy metal clásico

Federico: Estoy escuchando más electrónica, pero no marcha sino house, ambient, etc. También me gusta el funk.

Carlos: Yo escucho lo que me des, pero lo que tengo mío es mas hardcore...en ese sentido soy muy abierto

Federico: ¿Como te describirías? Muy abierto (risas)

TDR: Planes futuros. Mensaje o algo para comentar

Manuel: La idea es grabar dos temas donde lo hicieron Volstead y Sedición Interna, para ver como sale y dependiendo de eso se verá...

Carlos: Si, vamos a grabar veinte para llegar a la media hora (risas)

Manuel: Gracias por la nota, vayan a los recitales, saludos para todos....

Where has it gone?

2011-03-10T01:44:00.004-03:00

Still Life - A song about love

A fines de 1991 vi a Still Life dar su primer show. Me volaron la cabeza. Eran muy poderosos e intensos emocionalmente. Inmediatamente después del show les pedí que hicieran un LP en Ebullition. (...) Still Life fue una de las mejores bandas en vivo que haya visto. Mientras otras bandas se basaban en el odio o la agresión, Still Life se basaba en la pura emoción y la honestidad. Verlos tocar en vivo era una experiencia muy emocional. Era muy hardcore y muy real. (...) Fueron una inspiración y un soplo de aire fresco. Ayudaron a definir el hardcore emotivo a principios de los 90´s.

(Texto escrito el 27/04/2008) Estas palabras son de Kent McClard, dueño del sello californiano Ebulliton Records, que en 1996 editó From angry heads with skyward eyes, el LP doble de Still Life. El grupo, originario de Los Angeles, se había iniciado en 1989 como Monster Club y mantuvo ese nombre hasta que el cantante Rick Rodney se unío a Strife en 1991. A partir de ese momento y hasta el año 2003, el trío formado por los hermanos David y Chris Pitzel (voz/bajo y batería respectivamente) y el guitarrista Paul Rauch, grabó varios LP y 12” en diversos sellos –Retoric, Tree, Ebulliton, Greyday y el propio: The Sunflower Tribe-, en ocasiones junto con bandas como Evergreen, Cerberus Shoal, Jara y Resin.

La quinta canción de From angry heads with skyward eyes es “A song about love”: casi ocho minutos de intensa emoción, elaborada lentamente a través de la inclusión progresiva de cada elemento aportado por los instrumentos -desde los emotivos arpegios iniciales y los acordes en palm-mute y de octavas de la guitarra de Rauch, pasando por la precisa y eficaz base rítmica construida por la batería y las líneas de bajo, hasta las ricas y sutiles texturas provistas por el piano- y fundamentalmente por la voz de Pitzel, al mismo tiempo frágil y con una energía inaudita, capaz de erizar la piel y conmover hasta las lágrimas, sobre todo en los dos minutos finales que constituyen el clímax de la canción.

La fuerza de lo esencial

2011-03-08T01:29:00.001-03:00

Vieja Escuela - Resistir

(Texto escrito el 06/07/2008) Hace unos años, en el website TrueTillDeath, encontré algunas entrevistas en las que Anthony Moreschi (Ten Yard Fight), Davey Havok (AFI), Jim Hesketh (Champion), Porcell (Youth of Today) y Tim McMahon (Mouthpiece) contestaban un cuestionario acerca de su relación con el straight edge y el hardcore. Entre las preguntas, la que decía algo así como “¿Cuáles son las letras que, para vos, lo dicen todo?”, me resultó una de las más interesantes, dada la dificultad para poder sintetizar, en unas pocas líneas escritas por otra persona, el vínculo tan personal que cada uno puede tener con el sXe y el HC. Así lo reflejaban las canciones y bandas elegidas: desde Earth Crisis hasta de The Smiths, pasando por Dag Nasty, Chain of Strength y Bane.

Si tuviera que responder esa pregunta, seguramente “Resistir”, de Vieja Escuela, sería una de mis primeras opciones. La canción forma parte de La Mejor Elección (1999), segundo disco del grupo straight edge de Buenos Aires, editado –al igual que Decisiones (1998)- por Firme y Alerta Discos.

A secret magic past world

2011-03-03T01:08:00.001-03:00

Rocky Votolato - White daisy passing

(Texto escrito el 10/07/2008) Rocky Votolato es un cantautor norteamericano que nació en 1978 en Frost, un pequeño pueblo rural de Texas, y vivió allí hasta su adolescencia, cuando su familia se mudó a Seattle. En esa ciudad, Votolato empezó a tocar en varios grupos; el más destacado de ellos fue Waxwing, un cuarteto influenciado por Fugazi que entre 1996 y 2005 grabó tres discos en el sello Second Nature y del cual también formaba parte su hermano menor, Cody, además miembro de The Blood Brothers.

En 1999, Votolato reunió algunas canciones compuestas por él hasta ese momento y que no encajaban con el estilo de Waxwing en el LP Rocky Votolato (Status). Luego llegaron Burning my travels clean (2002) y Suicide medicine (2003), ambos a través de Second Nature. Hacia 2006, el cantautor obtuvo cierta popularidad a partir de la inclusión de una de sus canciones en un episodio de The O.C.: la elegida, “White daisy passing”, da inicio a Makers, su cuarto álbum, editado por Barsuk Records al igual que The bragg & cuss (2007) y True Devotion (2010). Las principales influencias de Votolato son, por un lado, el country y la música de los 60´s, durante su infancia en Texas: Willie Nelson, Steve Earle, Lynyrd Skynyrd, Bob Dylan y Johnny Cash; por el otro, el punk y el indie-rock, durante su adolescencia en Seattle. De hecho, en su MySpace puede leerse “Rocky Votolato-Seattle, Washington-Indie-Folk-Punk”.

Las canciones de Rocky Votolato, como señalaba la gacetilla de The Bragg & Cuss en el website de Barsuk, son capaces de pintar amplias imágenes con una frase y llevarnos a un mundo de sentimientos atemporales y eminentemente humanos. Cómo en ese roadtrip del videoclip de “White daisy passing”, sólo es cuestión de dejarse llevar.

Esta es nuestra respiración

2011-03-01T00:15:00.003-03:00

Esconder Micara – Pólvora

(Texto escrito el 08/05/2009) La introducción con el bajo bien al frente y los arpegios de guitarra seguidos por el piano mientras todo transcurre casi en cámara lenta. La voz oscila entre la furia y la calma, señalando el camino a seguir a la batería ahora intensa e hiperactiva, los acordes de octavas, las partes habladas sobre los acordes en palm mute y el pick slide a continuación del acople. El ritmo cambia y nos acercamos veloz y emotivamente hacia el final épico, el clímax con el piano, los truenos y la lluvia cayendo...

Si se tratara de una receta, sería acertado decir que Esconder Micara combinó de forma perfecta todos los ingredientes necesarios. Sin embargo, hay mucho más que eso en “Pólvora”, la canción con la que los chilenos hardcore-punk-screamo cierran su EP La carga del ardor. Tal vez en la voz desgarradora de Gianni, tal vez en esa línea que observa que “entretenerse esperando la muerte es lo que se considera vivir”. Quizás ahí esté ese “algo” extra, casi inefable; quizás ahí se encuentre la respiración que cubra de pólvora el cielo y permita destruir el infierno.

Screaming break me

2011-02-24T00:15:00.001-03:00

City and Colour - Casey´s song

(Texto escrito el 14/04/2010) Armado con su guitarra, Dallas Green le pone el pecho a la canción de su amigo Casey Baker, que en sólo un par de líneas define toda la historia: alguien ocupa todos nuestros pensamientos y le exigimos que nos saque de la incertidumbre. Aunque nunca se los hayamos explicitado, es poco probable que ignore nuestros sentimientos pero, casi seguramente porque la respuesta no será la que deseamos, la resolución se posterga indefinidamente. Aunque sea mucho el pesar que nos causa, indefectiblemente volvemos a enredarnos en una situación que no nos deja avanzar ni ocuparnos de algo más.

La única salida, parece ser, es demandar una respuesta inmediata de quien tiene nuestro corazón en sus manos. El golpe será terrible, nos han advertido. Pero después de tanto tiempo de rodillas, sólo queda la esperanza de que sea la caída que necesitamos para ponernos de pie nuevamente.

Sobre luces que nunca se apagan

2011-02-22T00:31:00.002-03:00

El Camino Mas Dificil - Hay una luz que nunca se apaga

(Texto escrito el 04/08/2009) Influencias: Chain Of Strength, Lifetime, Refused, Undertow, Mean Season, Outspoken, Unbroken and The Smiths. Puede resultar extraña la inclusión en último término del grupo de Morrissey y Marr en el perfil en MySpace de El Camino Más Difícil, pero tampoco lo es tanto: después de todo, The Smiths es la banda fetiche de la escena hardcore. Levanto la vista y en mi repisa The Smiths:The Complete Picture, el DVD que reúne todos sus videoclips, convive con los discos de Fugazi y Earth Crisis. ¿Y si los rosarinos titulan sus canciones con traducciones de nombres de las que compusieron los mancunianos? "La reina está muerta", "Anoche soñé que alguien me amaba", "Pánico" y "Hay una luz que nunca se apaga" conforman el demo de ECMD y la tercera y la cuarta reaparecen en su disco debut, Siempre quemando los caminos de vuelta.

Pero ¿qué tienen en común "Hay una luz que nunca se apaga" y "There is a light that never goes out"? Mientras que la canción de ECMD es una celebración de la amistad, la de los Smiths es una canción de amor. O eso dicen. Si en "Panic" Morrissey canta que hay que colgar al DJ porque las canciones que pasa no le dicen nada sobre su vida, hoy me propongo apropiarme de estas canciones, hacerlas mías.

El narrador de "There is a light that never goes out" le pide a un amigo que lo lleve en su automóvil lejos de casa, porque esa casa ya no es suya y no es bienvenido. Si es posible, que lo lleve a un lugar donde haya música y gente joven y que esté "viva". A cualquier lugar, no importa cuál. Creo que hay una sensación muy propia de la adolescencia en no sentirte bienvenido, sentirte fuera de lugar o como un extraño en tu propia casa: "No es mi casa, es de ellos". Y uno intenta mantenerse lejos de ella tanto tiempo como pueda, tal vez con motivos reales, tal vez por una exageración del malestar que causan conflictos propios y ajenos que parecen imposibles de resolver. Entonces se refugia en los amigos, en esos que siempre están. Morrissey canta: "Y si nos choca un colectivo de dos pisos, morir a tu lado es una manera tan celestial de morir, y si nos mata un camión de diez toneladas...bueno, el placer y el privilegio son míos", mientras que Lisandro hace lo propio en "Hay una luz que nunca se apaga" y deja su garganta para avisarnos que "Es tiempo de compensar a todos mis amigos por haber estado siempre en esos malos momentos".

Si "There is a ligh that never goes out" es el mejor single que los Smiths nunca editaron y se convirtió en el emblema de la banda y de toda una era musical, "Hay una luz que nunca se apaga" condensa lo mejor de El Camino Más Difícil y anuncia lo bueno por venir en un trayecto recién iniciado. En esas dos canciones homónimas se hace visible el vínculo que une a Manchester con Rosario, dónde cinco chicos recrean el legado de sus héroes. Y mientras los escucho pienso en mis amigos, en aquellos que consideran como yo que el hardcore es una parte muy importante de sus vidas, y también en los que piensan que es una bola de ruido: en todos, en los que estuvieron, están y estarán siempre. "Nadie puede arrebatarnos lo que es nuestro", esa amistad construida "poco a poco con mucho esfuerzo y con todo el amor que tenemos". Y esa es la luz que nunca se apaga.

Find out what impossible means

2011-02-18T01:31:00.001-03:00

Thrice - The melting point of wax

(Texto escrito el 05/08/2010) De acuerdo con la mitología griega, Ícaro fue encarcelado por el rey Minos en una torre de Creta junto a su padre, Dédalo. Aunque pudieron fugarse de su prisión, no conseguían abandonar la isla debido al estricto control ejercido sobre los veleros por el monarca, lo que obligó a Dédalo a fabricar alas para que él y su hijo pudieran escapar. El arquitecto del laberinto en el que fue encerrado el Minotauro unió plumas con hilo y cera, enseñó a Ícaro cómo usarlas y ambos echaron a volar, no sin antes advertirle que no se acercara al mar para no mojarlas, ni al sol para que éste no derritiera la cera. Ícaro no siguío estos consejos y, ante la mirada de su progenitor, cayó al mar por haber volado demasiado cerca del astro rey.

Más cercanos a nuestros tiempos, Dustin Kensrue y sus compañeros de grupo releen el mito y cuestionan la lección recibida por aquel que se aventuró más allá de las posibilidades que le brindaban los limitados recursos de los que disponía. La idea, sencilla de enunciar pero compleja de poner en práctica, es dejar de la lado la precaución y la timidez que nos impiden hacer lo que realmente queremos. Desafiar "la voz de la razón" que repite incansablemente que no llegaremos muy lejos y debemos aceptar resignadamente nuestro supuesto destino. Sí, tenemos estas alas de segunda mano y nada asegura que lleguemos a buen puerto, pero ¿cómo vamos a saber si no probamos?

Vamos a echarnos a volar hacia lo más alto, sin preocuparnos por el punto de fusión de la cera y sus efectos sobre nuestras alas improvisadas. Es ahora o nunca, esta oportunidad no volverá. Ya esperamos demasiado. Con los ojos y los corazones abiertos para ver más claramente que nunca antes, vamos a llegar hasta el sol o moriremos intentándolo.

Una introducción a Conor Oberst

2011-02-16T02:15:00.007-03:00

El siguiente texto fue publicado en este blog en 2008 pero debido a que ayer, 15 de febrero (cumpleaños de Conor Oberst), fue editado The People´s Key, el nuevo disco de Bright Eyes, lo reproduzco aquí, con algunas leves modificaciones pero con el mismo fervoroso entusiasmo.

Mucho se ha dicho hasta hoy acerca de Conor Oberst. El músico nativo de Omaha es amado y odiado en similar medida: por una parte, ha sido tildado de arrogante y pretencioso, lo han criticado por ser políticamente correcto hasta el hartazgo, demasiado prolífico e incluso por la cara de “yo no fui” con la que suele aparecer en sus fotografías promocionales; por la otra, lo han comparado incesantemente con Bob Dylan y ha sido objeto de alabanzas por su sinceridad y su talento como compositor. Las opiniones sobre Oberst oscilan entre calificarlo como "el imbécil de Bright Eyes” o bien como un “hechicero del verso”, uno de los elogios que le prodiga Yumber Vera Rojas en Los Inrockuptibles nº 127. Personalmente estoy más cerca de lo último y, sin preocuparme por lo secundario, sigo el consejo de Vera Rojas: “atender lo más importante: el llamado de la canción”.

Porque escribir grandes canciones es la especialidad de Conor Oberst: desde el quinceañero enamorado que grabó “Puella quam amo est pulchra” con una portaestudio en el sótano de la casa paterna hasta el cantautor que se acercaba a la madurez en la desgarradora “Lenders in the temple”; desde el pulso electrónico de “Touch” y “Easy/Lucky/Free” hasta la tracción a sangre de “Arienette” y “First day of my life” (con su video clip -dirigido por John Cameron Mitchell- rebosante de ternura); desde la lección de punk emocional que es “The happiest place on earth” hasta los delicados arreglos orquestales de “Make a plan to love me”; desde la frágil y personalísima “Nothing gets crossed out” hasta la arenga política de “When the president talks to God”; desde rarezas como “Drunk kid catholic” o la navideña “Blue Christmas” hasta el Oberst que se deja acompañar por Emmylou Harris en “We are nowhere and it´s now” y por sus comprovincianos de Neva Dinova en “I´ll be your friend”; desde el sonido Americana de "To all the lights in the windows" y "Say please" hasta el retorno al rock en "Shell Games", con esos teclados que son pura dicha.

Ya sea bajo el manto de Bright Eyes junto a su fiel escudero Mike Mogis, Nate Walcott y la miríada de artistas del sello Saddle Creek; ya sea con sus camaradas de Desaparecidos, de la Mystic Valley Band o los Monsters of Folk, Conor Oberst entrega canciones que se llevan por delante todo lo que se dice de él. Como un monstruo de múltiples cabezas, único y varios a la vez, definitivamente superior a la suma de sus partes.

Conor Oberst según La Emoción.La Música.El Mensaje

01 – Bright Eyes – Puella quam amo est pulchra (A collection of songs written and recorded 1995-1997)

02 – Bright Eyes - Touch (Letting off the happiness, 1998)

03 – Bright Eyes – Arienette (Fevers and mirrors, 2000)

04 – Desaparecidos – The happiest place on earth (Read music/Speak Spanish, 2002)

05 – Bright Eyes – Nothing gets crossed out (Lifted or the story is in the soil, keep your ear to the ground, 2002)

06 – Bright Eyes – Blue Christmas (A Christmas album, 2002)

07 – Bright Eyes feat. Neva Dinova – I´ll be your friend (One jug of wine, two vessels, 2004)

08 – Bright Eyes – We are nowhere and it´s now (I´m wide awake, it´s morning, 2005)

09 – Bright Eyes – First day of my life (I´m wide awake, it´s morning, 2005)

10 – Bright Eyes – Easy/Lucky/Free (Digital ash in a digital urn, 2005)

11 – Bright Eyes – When the president talks to God (Motion sickness: Live recordings, 2005)

12 – Bright Eyes – Drunk kid catholic (Noise floor: Rarities 1998-2005)

13 – Bright Eyes – Make a plan to love me (Cassadaga, 2007)

14 – Conor Oberst – Lenders in the temple (Conor Oberst, 2008)

15 – Conor Oberst and The Mystic Valley Band – To all the lights in the windows (Outer South, 2009)

16 - Monsters Of Folk - Say please (Monsters of folk, 2009)

17 - Bright Eyes - Shell games (The people´s key, 2011)

Valentine x 2

2011-02-14T16:09:00.001-03:00

Christie Front Drive - Valentine

The Get-Up Kids - Valentine

(Texto escrito el 14/02/2008) En su website, Andy Radin hace referencia al midwest emo, una clasificación ligada al lugar de origen (el Medio Oeste de los Estados Unidos: Illinois, Missouri, Nebraska, Wisconsin, etc) de grupos como Boys Life, Cap´n Jazz, The Promise Ring, o Braid que, inspirados en buena parte por Sunny Day Real Estate y su álbum Diary, combinaban –entre otros- elementos del emo, del post-hardcore, del punk-pop y del indie rock. Con el paso del tiempo, el estilo se diversificó y expandió hacia otra zonas geográficas de la mano de sellos discográficos independientes como Crank!, Caulfield, Big Wheel Recreation, Jade Tree y más adelante Deep Elm y Saddle Creek.

En abril de 1996 Crank! Records editó el split de Boys Life y Christie Front Drive, un cuarteto formado en 1993 en Denver, Colorado por el cantante y guitarrista Eric Richter, el guitarrista Jason Begin, el bajista Kerry McDonald y el baterista Ron Marschall. Christie Front Drive cierra su participación en el disco con “Valentine".

En septiembre de 1999 Vagrant Records editó Something to write home about, el segundo disco de The Get-Up Kids, una banda formada en 1994 en Kansas City, Missouri por el cantante y guitarrista Matthew Pryor, el guitarrista Jim Suptic, el bajista Robert Pope, el baterista Ryan Pope y el tecladista James Dewees. El Track # 3 del disco se titula “Valentine”.

“Valentine”. Christie Front Drive y The Get-Up Kids. El mismo nombre para dos canciones diferentes. Dos grupos que, más allá de sus características particulares (el primero, con su inclinación hacia el emo-core y la dinámica quiet/loud; el segundo, más cerca del punk y del pop), comparten una sensibilidad similar. Sin dudas, ambas canciones se encuadran dentro de lo que Andy Radin recuerda haber leido en una reseña de Christie Front Drive: “la música que escuchan los chicos hardcore cuando hacen el amor”.

You never ask yourself

2011-02-11T11:03:00.001-03:00

Morning Again - Stones

(Texto escrito el 03/05/2010) "Esta banda se trata tanto del mensaje de las letras como de la música", decía en 1998 John Wylie, guitarrista de Morning Again. Ya desde el inicio de As tradition dies slowly, su disco de ese mismo año, el grupo vegan straight edge de Florida lo dejaba claro con la proclama anti-homofóbica de "Stones".

"Nunca te preguntas por qué amas a quien amas", grita Kevin Byers, y su inquietud continúa siendo relevante. Desde diferentes partidos políticos, ocho de los nueve diputados de mi provincia anticipan su voto negativo en el debate parlamentario acerca del matrimonio homosexual. La religión en la que fui bautizado y educado considera a la homosexualidad como una desviación antinatural, un pecado. Y, más allá de escuchar ocasionalmente a Pansy Division o a Martín de Limp Wrist cantando que ama a los chicos hardcore, la discusión sobre el matrimonio homosexual y las familias homoparentales me encuentra con más preguntas que certezas.

El miedo a lo desconocido es el fundamento del odio, de la conformidad que impide que avancemos. Tal vez llegó la hora de cuestionarme algunas cosas. Entre tanta incertidumbre, al menos puedo estar seguro de algo: el amor nunca se equivoca.

Don´t want to lay here no more

2011-02-09T00:55:00.003-03:00

Bright Eyes - Nothing gets crossed out

(Texto escrito el 06/09/2010) Tal vez la virtud más importante de un cantautor -o de cualquier narrador- reside en su talento para hacer universal lo particular y lograr que quienes lo escuchan puedan identificarse con sus historias hasta apropiarse de ellas. Es así cómo Conor Oberst exhibe las propias en sus canciones: la frágil y personalísima "Nothing gets crossed out" lo encuentra más vulnerable que nunca antes, desbordado por las preocupaciones que le generan los tiempos por venir. Su cabeza es un carrusel de imágenes que gira sin parar. La sensación no es nueva sino que suele asomar su cabeza periódicamente y, aunque la superó anteriormente, eso no la hace menos desagradable.

Un Oberst que apenas ha alcanzado la mayoría de edad se enfrenta al desafío de estar a la altura de las circunstancias, de responder a lo que se espera sea la forma de comportarse de un adulto, pero no puede evitar sentirse como un niño que se esconde en su cama bajo las frazadas. Sabe que debería ser valiente pero no puede superar el miedo que le producen tantos cambios. Concentrarse se torna muy difícil: el desasosiego se apodera de todo, desbarata cualquier plan e incluso hace que pierda el sentido lo que antes disfrutaba. En semejante situación, es ineludible la evocación por los tiempos más simples de la adolescencia, en el guiño a su amigo Tim Kasher (Cursive, The Good Life) y el recuerdo de esos despreocupados veranos compartidos. "¿Te acordas de todas esas canciones y de cómo sonreíamos en esos sótanos hechos de música?", dice, mientras espera que él termine su gira y vuelva casa para revivir esos momentos.

Desde que Oberst arranca sólo con su guitarra y su voz apenas audible, "Nothing gets crossed out" va cobrando intensidad a medida que se incorporan y entrelazan más voces e instrumentos con la presencia, como a lo largo de gran parte de su obra, de sus amigos del colectivo que resultó ser el sello Saddle Creek. Hay un contrapunto entre el pulso marcial de la percusión que marca la presión de las obligaciones por cumplir y la delicadeza de las armonías vocales y los arreglos casi propios de una canción de cuna, hasta llegar un final que lo encuentra no muy lejos de dónde empezó, otra vez solo. Es así como se hace visible su maestría para para hacernos parte de eso que en principio es individual e intransferible, con esta canción capaz de conmoverme hasta las lágrimas y que escuché incontables veces antes de dormir en días difíciles, sobre todo después de la muerte de mi abuela hace un par de años.

Oberst se percata de que no es tan fuerte como pensaba que era y ya en el suelo, agotado, espera que lo encuentren, que le tiendan una mano amiga para ayudarlo a ponerse de pie, porque ya no quiere seguir allí. Y aunque todo parezca predeterminado, aunque no pueda cambiar el destino, sólo le resta seguir moviéndose porque, quizás, algún día alcance el lugar al que quiere llegar.

Y es por eso que aquí estoy

2011-02-07T00:06:00.002-03:00

Factor Común - En vivo en Robert Nesta, 14/08/10

(Texto escrito el 19/08/2010) Desde el lugar elegido hasta la cuidada puesta en escena, pasando por detalles como el diseño de las entradas, la presentación de Resistiendo a la adversidad, el primer disco de Factor Común, dejó claro que se han producido cambios positivos en el hardcore tucumano desde que los pioneros Integra Actitud y Contracultura dieron los primeros pasos. Pero lo que permanece inalterable es el espíritu de comunión, la reunión de amigos que vuelven a verse las caras y recrean ese pacto al que hace referencia uno de sus himnos. No estan ahí por la fama ni por el dinero, simplemente los hermana la necesidad de expresar y compartir sus ideas y sentimientos.

Hardcore, punk y metal unidos fue la consigna transformada en hechos: los acompañaron Unión Bajo Fuego y Kaiowas además de las dos bandas más importantes que dio la escena hardcore-punk local, Solperpetuo y Volstead. La energía arrolladora y contagiosa de Lucas, sostenida por la contundente precisión brindada por Alejandro, Álvaro, Darío y Walter, se vio potenciada al revivir el lazo que los vincula con la Santísima Trinidad Neoyorquina de Agnostic Front, Madball y Sick Of It All, el punk de Misfits y con sus compañeros de camino Extrema Voluntad, Propio Orgullo y Contradependencia. Y, por supuesto, el aporte imprescindible de quienes desde abajo del escenario -y en ocasiones también desde arriba- corrieron y saltaron incansablemente y gritaron hasta perder la voz siguiendo cada palabra y cada sonido de un grupo anclado firmemente en sus raíces, que sabe bien de dónde viene y hacia dónde se dirige. Porque, como dicen en "Pacto De Sangre", el sentimiento es real y no va a morir. Es por eso que ahí estuvimos, estamos y estaremos.

There´s no words

2011-02-04T00:27:00.001-03:00

The Judas Factor - The last song

(Texto escrito el 03/08/2010) Enfrentar la imposibilidad práctica de poner el dolor en palabras, de explicar lo vivido, pensado y sentido. Creer que la última esperanza de ser comprendidos cabalmente yace en aquellos que han atravesado las mismas experiencias y tienen la misma marca indeleble. Lidiar con la impotencia que paraliza, inmersos en un descenso en espiral en el cual todo se ha salido de control. Sentir la obligación de no mostrarnos vulnerables ni vencidos, de no desplomarnos aunque se haga evidente que la voluntad no es suficiente más que para dilatar lo inevitable. Ver cómo tus arquitectos se derrumban, sin poder hacer nada excepto contemplar cómo te arrebatan lo único que importa. Gritar en medio del caos y la disonancia aberrante. Gritar hasta perder la voz.

And i knew

2011-02-02T02:01:00.005-03:00

Dashboard Confessional - Hands down

(Texto escrito el 26/08/2010) Chris Carrabba entabla el relato del que fue, sin dudas, el mejor día que pueda recordar, y lo hace no tanto como un recuento exacto de lo vivido sino más bien como una forma de guardarlo en un lugar especial de su memoria. De esa manera, cada detalle recobrado no cumple una función decorativa sino que es testimonio vital de una noche reconocida como importante incluso mientras estaba ocurriendo, de esa noche junto a ella en la que todo sucedió espontáneamente y las horas se pasaron casi sin pensar, lejos de todo y de todos y sus preguntas indiscretas.

Como si aún pudiera respirar el aire de ese momento compartido, las imágenes reaparecen como souvenirs de tiempos más felices: los sonidos de la radio, las palabras susurradas, el perfume de su cabello entrelazado en sus dedos, las calles mojadas durante el regreso a casa. Todo vuelve a él, incluidas esas enormes esperanzas, tan grandes que piensa que un beso podría terminar con él. Pero no le importa porque eso le basta para morir feliz, entregando su corazón para lo que ella disponga. Y a la hora de la despedida, con las manos de ella en su cintura, cuando finalmente sucede sabe que lo que sentían era verdadero.

La esperanza de poder estar mejor

2011-01-31T00:18:00.011-03:00

El Eterno Enemigo - Tedio

(Texto escrito el 10/08/2010) Con Círculos, su segundo álbum, El Eterno Enemigo queda confirmada en retrospectiva como una de las bandas más importantes que dio la escena hardcore argentina durante la década pasada. Si En contra de toda esperanza los presentaba a la sombra del legado de Outspoken, su sucesor se independiza de ese debut mediante canciones como "Rehusar", "Barreras" "Crítica y reflexión" o la que da nombre al disco y revela así a un grupo con luz propia, que en medio de tantos gritos y rebelión sin foco tuvo algo para decir y supo cómo hacerlo .

La madurez, la conciencia de las limitaciones personales e impuestas que no equivale a resignarse a los moldes establecidos, la evidencia de que todo vuelve a suceder pero es necesario arriesgar sin miedo a un posible resultado adverso, son tópicos que asoman una y otra vez. "Todo es circular", dirán. Y ante el hastío causado por la repetición constante, ante la aparente imposibilidad de lograr una transformación real, ante el temor de que todo esfuerzo será en vano, ante el insoportable peso de las promesas rotas, se impone una necesaria revolución personal, en aras de construir otro tramo del puente que permita dejar atrás la apatía.

It's killing you but it's bringing me along

2011-01-28T01:53:00.002-03:00

Thursday - You were the cancer

(Texto escrito el 24/08/2010) Como un cierre perfecto para su excelente Common existence, Thursday deja que "You were the cancer" crezca lentamente hasta casi explotar ante nosotros. Geoff Rickly superpone las sensaciones propias de quien ha tenido que lidiar con el cáncer, con el uso de la enfermedad como metáfora para describir a una persona que nos causa un mal.

Afirmada sobre un colchón de sintetizadores, mostrando que es posible encontrar la belleza en la disonancia y un caos aparente, la canción avanza a través de una sucesión de imágenes (un edificio que se derrumba en un mundo que gira sin control, el filo de un bisturí, las luces de neón que trazan un mapa de las "tierras malas", etc.) para intentar poner en palabras lo inefable. La dificultad para asumir la gravedad de la cuestión sin llegar a los extremos del colapso total y la parálisis o bien la reacción exagerada y la sobreprotección; la sensación de que lo más querido en este pequeño y fragil sueño que llamamos vida se nos escapa de las manos; la confianza en que la medicación, ese disparo a ciegas del tamaño de una partícula, nos ayude a encontrar una luz al final del oscuro túnel que estamos atravesando; la fé en que nuestras plegarias sean escuchadas y podamos superar esta lucha cotidiana contra la muerte.

A todo lo anterior se suma algo que parece hacernos más daño todavía, algo equiparable a esas células que nos atacan desde adentro, creciendo, invadiéndonos y expandiéndose sin piedad. La metáfora se hace carne y ya no podemos distinguir cuál es el verdadero, pero más que nunca antes se hace necesaria la confrontación y dejar bien claro cuál es el lugar ocupado por cada uno. Vos fuiste el cáncer todo este tiempo y es todo lo que vas a ser; vos fuiste el cáncer y adentro tuyo llevás lo que te destruye poco a poco. Nosotros seguimos de pie.

My dear, i hear your voice in mine

2011-01-26T02:49:00.021-03:00

La Dispute - Andria

"La repentina angustia de extrañar lo que ya no esta allí es como encontrarse de pronto con una jarra que ha caído y se partido en fragmentos. Recoges las piezas, descubres como unirlas y cuidadosamente las pegas, una por una. Eventualmante la jarra es reensamblada pero no es lo mismo que era antes. Al mismo tiempo, está dañada y es más preciosa. Algo comparable ocurre con la imagen de un lugar amado o una persona amada cuando queda guardada en la memoria después de la separación."

(Texto escrito el 12/08/2010) Con este texto del crítico de arte, pintor y escritor inglés John Berger como referencia, La Dispute construye una canción basada en la memoria de un amor perdido. Los recuerdos casi siempre traen con ellos una sonrisa, aunque sigamos preguntándonos dónde y por qué nos equivocamos. Volver a transitar el camino recorrido se torna difícil debido a la distancia y, fundamentalmente, a que ya no somos los que éramos entonces. Aunque ya no tenga sentido, todo lo compartido, las caricias, las palabras dichas y las que no hizo falta pronunciar porque bastaba una mirada, están preservadas en algún lugar. Cuando reaparecen, todas las sensaciones son las mismas: si tuviéramos que revivivirlo, incluso el dolor de la despedida sería idéntico, porque eso forma parte de lo que ahora somos.

Exhibiendo un manejo magistral de los climas, "Andria" cobra intensidad hasta alcanzar la cima y la posterior liberación. En cada gesto, en cada palabra perdura la huella de lo perdido: negarlo equivale a negarse uno mismo y, aunque todo parezca haber cambiado, esa persona debería saber que aún puede contar con nosotros.

All i need is just to hear a song i know

2011-01-24T00:42:00.002-03:00

Jimmy Eat World - A praise chorus

(Texto escrito el 19/10/2010) Hacia 1985, Morrissey decía en "Rubber ring" que el paso del tiempo y sus crímenes enfermizos lo estaban poniendo triste de nuevo. "Pero no olvides la canciones que te hicieron llorar, y las canciones que te salvaron la vida. Sí, ahora sos mayor y sos un cabrón ingenioso, pero ellas fueron las únicas que estuvieron a tu lado", continuaba el cantante de The Smiths. 16 años después, Jim Adkins hacía lo propio al frente de Jimmy Eat World en "A praise chorus".

Con una estructura clásica, la canción se divide, en primer lugar, en las estrofas y su llamado de atención para alguien con dificultades para enfrentar lo que se espera de un adulto y que pierde su tiempo pensando en lo que pudo haber sido, atrapado en una nostalgia que no lo deja avanzar: "Las cosas nunca van a ser tal como querés. Incluso a los veinticinco, tenés que empezar en algún momento", lo incita Adkins; en segundo lugar, el estribillo optimista, donde anuncia que tiene los pies bien firmes sobre la tierra, está listo para salir y sólo necesita escuchar una canción que conozca: "Quiero sentir siempre que una parte de esto era mía. Quiero enamorarme esta noche"; en tercer lugar, el puente en el que, acompañado por Davey von Bohlen (The Promise Ring) rinde homenaje a esas canciones, desde Tommy James & The Shondells hasta They Might Be Giants, pasando por Madness, Bad Company, Motley Crue y el propio grupo de von Bohlen.

"Estoy sosteniendo la antorcha en una esquina de tu habitación. ¿Me escuchás? Y cuando estés bailando y riendo y viviendo al fin, escuchá mi voz en tu cabeza y pensá en mí con cariño", continuaba Moz en "Rubber Ring". Llega el estribillo final, en el que Jim le pide a su amigo Davey que le cante algo que conozca. Llevando a cuesta esas canciones de su adolescencia, las que lo hicieron llorar, las que le salvaron la vida, al fin está de pie, listo para avanzar.

Du code binaire et lisible

2011-01-21T01:34:00.006-03:00

Amanda Woodward - Binaire et lisible

(Texto escrito el 13/03/08) Amanda Woodward es una banda screamo de Caen, Francia, que tomó su nombre del personaje interpretado por Heather Locklear en la serie de TV Melrose Place. El 19 de junio de 2004, Level Plane Records editó el LP La decadence de la decadence, que incluye la canción "Binaire et lisible".

“Binaire et lisible” sirve como un recordatorio de que el hardcore no se limita a la Santísima Trinidad Neoyorquina de Agnostic Front, Sick Of It All y Madball. Aunque los ingredientes sean similares -guitarras distorsionadas, gritos desesperados y una alta dosis de adrenalina- el plato final es diferente: tiene el sabor de una personalidad propia que aún conserva las marcas de origen. Amanda Woodward abre la puerta para liberar toda la emoción contenida hasta dejarnos al borde del colapso, agotados, pero deseando que la sensación no se termine nunca.

Yes, i believe

2011-01-19T17:13:00.007-03:00

Better Than A Thousand - We must believe

(Texto escrito el 28/02/2008) Hace unos días, mientras conversaba por Messenger con un amigo, me comentó que estaba escuchando Value Driven, de Better Than A Thousand. Los dos coincidimos en que es “alto disco” y que “We must believe” es un “temazo”. En ese momento, se me ocurrió volver a ver su videoclip, algo que no hacía desde hace mucho tiempo.

La primera vez que lo vi fue en el verano del 98/99, por MTV, en una época en que la señal no había sido invadida aún por los reality-shows y, aunque no eran parte de la rotación diaria, no era descabellado encontrarse con un videoclip de -por ejemplo- Sick Of It All o Voodoo Glow Skulls.

El clip fue uno de mis primeros contactos con el hardcore straight edge. Por esos tiempos recién estaba conociendo el mundo de los fanzines hardcore-punk (y trataba de descifrar que significaba ese “sXe” que aparecía en muchas entrevistas) y leía de principio a fin las reseñas de discos del catálogo de Pinhead Records. Pinhead, un sello rosarino, había editado Value Driven (junto con Supersoul Records, de Estados Unidos) en agosto de 1998, preanunciando la gira sudamericana que el grupo realizó a comienzos del año siguiente. El segundo álbum de la banda liderada por Ray Cappo (Youth of Today, Shelter), mediante canciones como “Born to give” o “Crisis of man”, confirmaba y superaba lo que ya habían mostrado en su antecesor, Just One.

Hoy, veo nuevamente el videoclip de “We must Believe” y es imposible no sentirme como si tuviera quince años una vez más.

Give more. Give everything. Give blood.

2011-01-17T23:33:00.014-03:00

Bane - Ali vs. Frazier I

(Texto escrito el 17/10/2007) El 30 de Octubre de 2001, Equal Vision Records editó Give Blood, de Bane. El álbum significó un cambio importante respecto a los anteriores discos del quinteto de Massachussets: Holding This Moment, una suerte de recopilación de canciones escritas cuando el grupo todavía era un proyecto paralelo de Aaron Dalbec (guitarrista de Converge) y It All Comes Down To This, que no había cumplido con las expectativas que el grupo tenía puestas en él.

I mean, it’s not just about having fun, it’s about a whole series of outlets and all sorts of emotions from the best to the saddest, but it’s not about trying to fit into any preset mold. It’s not about trying to please any group of kids who want us to sound like this band or have these ideals or whatever. (…)I just write about what goes on in my head and the things I see around me and that’s it. But for us, mostly it’s just about playin live. When we’re up there live, something happens emotionally that we are all addicted to. (Aaron Bedard, cantante de Bane, entrevistado por pastepunk.com)

Aunque contienen grandes canciones como “Count Me Out” o “Can We Start Again”, Holding This Moment y It All Comes Down To This resultan desparejos a la hora del balance final. Give Blood fue el disco que Bane siempre quiso hacer: un disco sólido y compacto de principio a fin que, por medio de verdaderos himnos como “Ante Up” o “Ali vs. Frazier I”, permitió consolidar a la banda como una de las más importantes de la escena hardcore luego de varios años sobre los escenarios (o sin ellos, como puede verse en esta increíble presentación en vivo).

Yeah, just writing honest songs that aren’t limited in any way, that aren’t preformed into any structure. It’s going to stay hardcore because we’re all hardcore kids, and we all come from that, and we’re not going to loose that. We’re not looking to be on the radio or anything like that, we just don’t want to limit ourselves.

La música de Bane desafía cualquier concepto previo que uno pueda tener sobre una banda de hardcore, al expandir constantemente las fronteras del estilo hasta lograr un sonido propio que, aunque contenga elementos reconocibles (por ejemplo, combinando -según su ex-baterista Nick Branigan- la crudeza de Judge con las partes más intrincadas de Burn), no remite directamente a ningún otro grupo. Punkbands.com iniciaba su reseña de The Note - el disco que sucedió a Give Blood- de la siguiente manera:

There is an interview in a Law of Inertia magazine from a few years ago where Matt Fox from Shai Hulud is being asked about emotional music. He says: "I think we have a lot of heart, but I don´t think any band out there has more heart than Bane. They are definitely not emo but when they get on stage there is an emotional energy there not found in almost every other band".

La etiqueta “emo” ha sido utilizada a lo largo de los años para clasificar artistas muy disímiles entre sí, desde Rites of Spring hasta Panic! At The Disco, pasando por Native Nod, Still Life, Heroin, Hot Water Music, Sunny Day Real Estate, Weezer, The Get-Up Kids, Joan Of Arc, Jimmy Eat World, Dashboard Confessional, Thursday, Envy, Amanda Woodward, etc. Sin lugar a dudas, Bane no es una banda emo. Sin embargo, es innegable que es una banda de hardcore tremendamente emotiva, basado esto en algunos elementos fundamentales: por un lado, la riqueza de las texturas provistas por los acordes de octavas y el uso ocasional de de la dinámica quiet/loud (es decir, la alternancia entre partes tranquilas, cantadas/habladas y partes caóticas, gritadas). Por el otro, la voz de Aaron Bedard, tan distintiva e inconfundible como las de Ian MacKaye (Minor Threat) o Ray Cappo (Youth Of Today), sólo por nombrar un par; una voz que, sin ser grave y potente como la de Jamey Jasta (Hatebreed) ni mucho menos virtuosa como la de Zoli Teglas (Ignite), es capaz de transmitir las emociones de una manera absolutamente convincente.

Aaron Bedard cuenta que en el momento de escribir las letras de Give Blood estaba en una etapa de su vida muy diferente a la de It All Comes Down To This:

"I was an angry and bitter kid. I had all of these relationships fall apart and had all of these things I at odds and war with. Now my life is just being on the road. Now I don't have all these inner fucking conflicts where I'm hurt because of a girl, a boy, god, or my parents. I don't have all of that right now. All I have is the van, and getting up on stage, and giving it everything that I have. Give more, give everything, give blood. If you're going to do something give it full on! That's what the record is about”.

Ya en los primeros versos de “In Pieces”, la canción que da comienzo a Holding This Moment, Bedard decía que “la única forma en que uno realmente aprende las lecciones de la vida, es cuando ésta te golpea directamente en la cara”. Give Blood cierra con “Ali Vs. Frazier I”, título que hace referencia a la llamada "Pelea del siglo" entre Muhammad Ali y Joe Frazier.

“Ali vs. Frazier I” es una canción que sintetiza todo el concepto detrás de Give Blood y al mismo tiempo lo que es el hardcore: “It's your call...It's all on you”. Una canción que escucho cuando tengo la sensación de que las cosas no están bien en mi vida y necesito detenerme a repensar mis acciones. Una canción para enfrentar a mis demonios internos, para derribar a mi Goliat, para seguir dando pelea. “Give more, give everything, give blood”. Porque no hay nada que perder.

Forever Family

2008-08-31T14:59:00.017-03:00

Most Precious Blood – The Lantern

“En cada persona, la representación del otro no resulta de una mera acumulación de observaciones o impresiones recogidas al azar, sino que es más bien el producto de una estructuración. (...) La estructura perceptual original, elaborada a partir de las primeras impresiones, no es evidentemente definitiva ni inmutable. (...) Si, tras haber trabado conocimiento mutuo, dos personas están llamadas a verse frecuentemente o a vivir juntas, el proceso de adaptación proseguirá y la imagen del otro se reestructurará a medida que nuevas observaciones vengan a confirmar, corregir o invalidar las impresiones anteriores. No es posible, por lo demás, poner un término a esta adaptación ni, consiguientemente, a la estructuración de la imagen del otro, ya que prosigue tanto tiempo como dos personas se conocen, habida cuenta de los eventuales cambios de situación o de circunstancias, de la maduración de cada una de ellas, de las diversas experiencias compartidas o vividas por separado. Incluso después de la defunción de una de las dos, la imagen del otro sigue modificándose en el superviviente, ya sea a causa de nuevas informaciones sobre la persona fallecida, ya sea sobre todo como consecuencia del trabajo que la memoria opera inconscientemente. En este último caso, ciertos rasgos de la persona desaparecida cobran un determinado relieve y otros se atenúan generalmente en el sentido que los psicólogos han dado en llamar “la mejor forma”, es decir, el embellecimiento del retrato.” (Guy Rocher – Introducción a la sociología general)

Mañana se cumple un año desde que mi abuela regresó a su casa -nuestra casa- luego de haber vivido los últimos años en Buenos Aires. Ella murió el lunes pasado. El martes, luego del entierro, fue uno de los momentos más difíciles, como me había dicho mi amiga S.: volver a casa y sentir su ausencia de forma tan flagrante, como cada vez que desde entonces amago con entrar a su habitación, esperando encontrarla allí todavía. Como todas las noches, conecto los auriculares y me siento frente a la PC para escuchar algo de música. Pienso en mi abuela y la expresión de su rostro, entre la alegría y el desconcierto, mientras hojeaba el primer y único número de mi fanzine, la última vez que nos visitó antes de su retorno definitivo. Pienso que nunca encontré un tiempo para conocernos un poco más, para explicarle lo que significa el hardcore para mí, mientras llega esa parte de “The lantern” en la que Tom grita “Solidarity / Forever Family”, mientras las lágrimas empujan para salir una vez más. Ya cayó la barrera y desapareció esa distancia autoimpuesta que convirtió todo en una rutina diaria, que me permitió mantenerme firme, sin pensar demasiado, porque de otra manera me hubiera derrumbado como otras veces, y no podía dejar que eso pase cuando ella más nos necesitaba. Y pienso que con mi familia –mis padres, mis hermanos, mis cuñados, mis sobrinos- hicimos por ella todo lo que pudimos. Todo lo demás ya no tiene ninguna importancia.

Releo lo anterior, con esa cita inicial tan “fría” y “profesional”, contrastando con el resto, tan personal. Tal vez demasiado personal. Quizás sea esa dualidad la que caracteriza a este tipo de espacios. Creo que Rocher tiene razón al referirse a ese trabajo “que la memoria opera inconscientemente”, por lo menos en lo que respecta a la imagen que tengo de mis abuelos. Pero no me importa cuáles detalles del retrato cobren relieve o cuáles se atenúen. Sólo hago de cuenta que tengo 5 años y llevo puesto el delantal a cuadrillé celeste. Mi abuelo –el mismo que me enseñó a leer- me espera en la entrada del Jardín. Apuramos el paso mientras atravesamos las veredas de la plaza Belgrano, alfombradas con flores amarillas y rosadas de los lapachos. Mi abuela nos espera en la casa, con la merienda lista. Cuando llegamos, nos sentamos los tres en la mesa de la cocina: ellos en los extremos, enfrentados; yo en el medio. Y todo está bien.

La emoción. La música. El mensaje

2007-09-27T16:20:00.007-03:00

Entre mis primeros recuerdos musicales figuran imágenes tales como, a mis cuatro años, cantar “Viejos vinagres”, de Sumo, para mi hermana mayor o ver el videoclip de “The final countdown”, de Europe. Pero, sobre todo, me acuerdo de las madrugadas escuchando en la radio “lentos de los 80´s” (hasta hoy me conmuevo con los coros infantiles de “Toy soldiers”, de Martika o con “Nothing compares 2 U”, de Sinead O´Connor) que después “interpretaba” en mi pseudo-inglés-por-fonética, de pijama y parado sobre mi cama, en la habitación que compartía con mis hermanos (todos mayores que yo)
También tengo presentes aquellos veranos en los cuales a toda hora sonaban -desde los casetes de mi hermano- Ricardo Montaner o algún bolero cantado por Luis Miguel. O a los ocho años, comprando al salir del colegio una revista dedicada íntegramente a la visita de Guns n´ Roses a la Argentina, que leía mientras escuchaba "Use Your Illusion" I y II en los casetes que me había grabado mi otra hermana. O los trece, en mi etapa “beatle” de grabar aquellas colecciones “roja” y “azul” de mi cuñado, cuyas portadas mostraban a los cuatro fabulosos de Liverpool asomados a un balcón: trajes y flequillos en la primera; pelos largos y barbas en la segunda. O aquel compilado “Kuschel Rock” que contenía canciones como “Mandy”, de Barry Manilow; “In the ghetto”, de Elvis Presley o “San Francisco”, de Scott McKenzie.
Incluso podría mencionar a Gary, Sebastián o El Negro Videla, sólo por nombrar algunos, que atronaban desde los parlantes de mis vecinos en esas fiestas de fin de semana en las cuales la "música tropical" sólo se interrumpía ya cerca del amanecer, para dar paso a los insultos, las corridas y las peleas callejeras entre familiares demasiado alcoholizados para reconocerse como tales.
En 1997, cuando teníamos 14 años, un amigo me grabó dos casetes: en uno “El Nuevo Camino Del Hombre”, de A.N.I.M.A.L en el lado A y “Life Is Peachy”, de Korn en el lado B; en el otro, “Trance Zomba”, de Babasónicos. Esos discos fueron escuchados hasta el cansancio durante un viaje en colectivo hacia Chile, donde compré mi primer CD: "Mucho barato", de Control Machete. En ese momento yo no podía sospechar la magnitud del impacto que todo esto tendría en mí. Al poco tiempo llegarían “Toda Niño Sensible Sabrá De Lo Que Estamos Hablando”, de Fun People y el primer CD de Minoría Activa.
Fue entonces cuando la música, hasta entonces siempre presente pero sin que yo pensara demasiado en ello, empezó a ocupar un lugar muy importante en mis días. Fue entonces cuando la palabra HARDCORE comenzó a significar para mí mucho más que un estilo musical, para transformarse en un estilo de vida y en la puerta de entrada a un mundo repleto de ideas y sensaciones por descubrir, desde Earth Crisis hasta The Smiths, desde los fanzines hasta el straight edge.
Todos los recuerdos anteriores volvieron a mi mente en el momento de escribir este texto, que sirve para dar inicio a lo que pretendo sea un espacio para -entre otras cosas- expresar y compartir con los demás algunas ideas y opiniones acerca de uno de los aspectos más importantes de mi vida: la música.
Para mí, la cualidad más importante de la música es su capacidad para conectarse con nuestras ideas, emociones y experiencias previas y además generar nuevas. La capacidad de las canciones para conjugar la emoción, la música y el mensaje. Para hacernos reír. Para hacernos gritar. Para hacernos llorar. Para cuestionar nuestros puntos de vista y desafiar nuestros prejuicios. En definitiva, para erizarnos la piel cada vez que las escuchamos y hacernos sentir que estamos vivos.

P. D. 1: El nombre de este blog está inspirado en el "about" del blog La plegaria del incendiario

P.D. 2: A partir del 17 de enero de 2011, este blog estará dedicado exclusivamente al hardcore-punk. Algunos textos escritos entre 2007 y 2011 serán republicados aquí, mientras que los artículos relacionados con otros estilos musicales tendrán su lugar en Pop Music Is Not A Crime